Новое стилевое направление учитывало изменившийся ритм жизни, технологический прогресс, а с ним и новое устройство общества и роль женщины в нем. Стиль охватывал все направления – от ювелирного искусства и бытовых предметов до архитектуры небоскребов, отражая новый стиль жизни, ее восприятие. Так как в формировании Ар деко ключевую роль играл новый стиль жизнь, который являлся предметом анализа маркетинговых исследований, как отражение потребностей человека и общества, стиль находил применение как в искусстве, так и в рекламе, грань между которыми была размыта. Реклама воспринималась, как вид искусства, способом повлиять на потребителя, п для ее создания привлекались выдающиеся художники эпохи. Анализируя рекламные плакаты, сделанные в то время, с эстетической и содержательной стороны, можно сделат вывод о том, что эстетика Ар деко базировалась на двух посылах: необходимо сформировать вещную среду, внешне соответствующую «духу времени»; необходимо сделать эту среду привлекательной и комфортной для повседневной жизни людей, позиционирующих себя как носителей этого «духа времени».

Уильям Ван Ален постоянно учился и бросал себе вызовы. Никогда не останавливался на достигнутом и по мере ведения стройки часто продолжал усовершенствовать свои проекты. Но расцвет его карьеры подорвала Великая депрессия.

Первая половина 20 века в Америке считается золотым веком кинематографа, ярким этапом экономического развития страны и индустриализации городов. Арт Деко прекрасно ложится на повестку того времени и отражает все его богатство. В 1920-1930г в Нью-Йорке один за другим строились небоскребы, причем для владельцев каждого из них, вопросом престижа было превзойти по высоте предшественника.

Почему художники любят лепить женщин? Женские сюжеты всегда могут вдохновить художников на безграничное творческое вдохновение . Женские скульптуры существуют с каменного века . С непрерывным развитием феминизма искусство феминизма также постоянно развивается и меняется, а также постоянно меняются типы женских образов . С древних времен было создано большое количество различных произведений искусства, отражающих красоту женщины . На протяжении всей истории существования человечества женская красота всегда была одним из важнейших источников вдохновения художников . Женские образы в произведениях искусства можно увидеть повсюду, и видно, что женские образы являются главными объектами выразительности в произведениях искусства. Репрезентация женских образов в произведениях искусства богата и разнообразна, разнообразны и формы формирования .

В процессе развития искусства скульптуры, будь то объект художественного выражения или предмет художественного выражения, женщины всегда играли важную роль в художественном творчестве.

В прошлом веке появилось множество архитектурных стилей, течений и направлений, которые актуальны и сегодня. Один из таких стилей, ар-деко, стал популярен после международной выставки в Париже в 1925 году, посвященной декоративному и промышленному искусству.

Для ар-деко в архитектуре характерно использование исторических отсылок, которые переделываются в новых структурных и пространственных условиях, сохраняя черты классических прототипов.

Однако в отличие от модернизма, создавшего целостную художественную систему, основанную на синтезе передовых структур, динамичных пространств и метода дизайна «изнанка наружу», ар-деко подчеркивает эффектные внешние особенности, которые могут преобладать над пластичностью формы. Это может включать намеренное несоответствие между изображением и функцией. Если для архитектуры модерна характерна плавная асимметрия с живописными изогнутыми линиями, вытекающая из ее конструктивной и органической сути, то стиль ар-деко обратился к линейной симметрии, кристаллическим объемам и монументальным ступенчатым композициям.

В начале 1900-х годов в Париже были построены два жилых комплекса Огюста Перре и Анри Соважа, ставшие премьерными произведениями архитектурного стиля ар-деко. Эти здания первыми использовали железобетон для строительства парижских резиденций. Их отличали простые линии, прямоугольные формы и минимальное количество декоративных элементов на фасаде. Это был явный отход от стиля модерн.

Жилой небоскреб Tour perret

Архитектура в стиле ар-деко отличалась четкими и часто богато декорированными геометрическими элементами конструкциями, что подчеркиваются блестящими металлическими вставками. Подавляющее большинство зданий, выполненных в стиле ар-деко, имеют удлиненную вертикальную форму всех элементов, поскольку они были построены таким образом, чтобы привлекать взгляды прохожих к себе за счет монументальности.

Позже такой дизайн чаще всего использовался в Соединенных Штатах для офисных помещений, государственных учреждений, театров и железнодорожных станций.

Жак-Эмиль Рульман - выдающийся дизайнер и архитектор, гений стиля ар-деко. Его вклад в развитие стиля и влияние на сферу архитектуры и дизайна трудно переоценить. Рульман являлся оппонентом иностранных веяний в прикладном искусстве и ратовал за сохранение традиционных французских подходов в выборе материала и сугубо ручное конструирование мебели. Рульман известен своими мебельными ансамблями и считается одним из первых интерьерных дизайнеров Франции.

Чарльз Ренни Макинтош – мастер, чьи творческие опыты трудно отнести к какому-либо из направлений, характерных для искусства начала XX века. Возможно, поэтому его, шотландца из Глазго, иногда называют «странным, но чертовски способным парнем». В работах этого талантливого мастера в равной степени прослеживается влияние таких стилей, как ар-нуво и ар-деко, а также движения «Искусство и ремёсла».

На рубеже столетий архитектурные и дизайнерские проекты Макинтоша были уникальны и необычны своей простотой и геометрической элегантностью. Он отказался от изобилия орнаментов и иных декоративных элементов, которые были характерными чертами «Искусств и ремёсел» и ар-нуво. В дизайне его изделий преобладают линейные, графически точные мотивы. «Индивидуальный дизайн создается индивидуальностью для индивидуальности» – незыблемый принцип, который он стремился реализовать в своих работах.

Сегодня визитная карточка талантливого шотландца – стулья с высокими спинками, однако дизайнерские изыски стиля «макинтош» прослеживаются и в других предметах, разработанных мастером.

В 1897 группа молодых художников во главе с Густавом Климтом решила порвать с консерватизмом академического искусства и создать собственное творческое объединение «Венский сецессион», которое дало название австрийскому варианту стиля ар-нуво. Это название перекликалось с secessio plebis – демонстративным уходом плебеев, боровшихся против власти правящих патрициев, на Авентинский холм. Для художников Венского сецессиона создание своего объединения тоже было своего рода заявлением о желании порвать с отцами, оставить позади традиционные условности и сделать искусство подходящим для современного мира.

Павильон «Дом сецессиона», построенный Йозефом Марией Ольбрихом – важнейшее здание для австрийского ар-нуво. Архитектор говорил, что хотел «возвести храм искусства». Он представлял себе, что стены должны быть «белые и сияющие, выражающие чистое достоинство». Простая конструкция здания повторяет геометрические пропорции и осевую направленность древних храмов. Эта параллель была необычной для того времени, поскольку музеи и выставочные залы чаще всего выглядели, как величественные дворцы. Здесь же очевидны отсылки не к роскоши барокко, а к классике — они прослеживаются и в ясности организации фасада, и в головах горгон, охраняющих вход, и в куполе.

По задумке архитектора интерьер здания должен быть открытым и свободным, поэтому Ольбрих впервые применил подвижные перегородки. Внутреннее пространство павильона динамично и непостоянно, как и современная жизнь. Форма здания, состоящая из нескольких кубических объемов, очень лаконична, однако современники воспринимали ее как нечто экзотические и странное. Для этого здания было придумано несколько пренебрежительных прозвищ, например, “гибрид оранжереи и известковой печи”, “гробница”, а купол шутливо называли «позолоченной капустой». Однако искусство Венского сецессиона завоевало благодарную аудиторию среди богатых жителей Вены и даже получило официальную поддержку: дизайн австрийской валюты и марок был разработан в стиле ар-нуво.

В «Сецессионе» проходили выставки молодых художников, работавших в новом стиле. Наибольшую известность получила выставка 1902 года, посвященная Людвигу ван Бетховену. Именно для нее Густав Климт создал знаменитый «Бетховенский фриз», в котором он отражает свое понимание девятой симфонии Бетховена и те ощущения, которые возникали у него по мере прослушивания произведения. Помимо красок Климт использовал серебро и позолоту, осколки зеркал, гвозди и пуговицы. Фриз должен был отсылать зрителя к религиозной, алтарной живописи.

Здание Венского сецессиона, арх. Йозеф Ольбрих. Рисунок фасада, план. 

Наиболее значительная часть музейного собрания – коллекция декоративной скульптуры из бронзы и слоновой кости, насчитывающая 900 произведений. По воспоминаниям Мкртича Окрояна, когда он впервые увидел творения европейских скульпторов, он пришёл к выводу, что русское искусство сыграло значительную роль в формировании западной культуры первой половины XX века. С 1909 по 1929 год балетная труппа «Русские Сезоны» выступала в Европе под руководством Сергея Дягилева. Сила и самобытность русской культуры поразила европейцев: новые краски, движения, образы, иная логика и совершенно иные принципы создания художественных произведений буквально перевернули европейское сознание. Более того, «Русские Сезоны» изменили стиль жизни и поведения европейцев. Вскоре после премьеры балета «Шахерезада» у парижских дам вошло в моду одеваться a la Bakst – в лёгкие шаровары и цветистые тюрбаны. Новыми идеалами красоты выступили Тамара Карсавина, Ида Рубинштейн и другие русские танцовщицы и актрисы. Наиболее ярко эти мотивы воплотились в творчестве скульптора Дмитрия Чипаруса, произведения которого в России не представлены ни в одном из государственных музейных собраний.

Представляем вашему вниманию «Витрину с колосьями пшеницы» (ок. 1903) – уникальный экземпляр мебели стиля ар-нуво в исполнении французского художника-декоратора Эмиля Галле. Витрина выполнена из орехового дерева и бронзы в технике маркетри – мозаики из разных пород дерева, которые наклеиваются на основу.

Эмиль Галле — представитель школы Нанси — объединения мастеров декоративно-прикладного искусства. В его произведениях природные мотивы часто фигурируют на декоративных вставках, при обрамлении замочных скважин, дверных петель – еще с юности Галле увлекался рисованием и ботаникой, а в конце XIX-го столетия по его инициативе в школе Нанси был введен обязательный курс по ботанике, чтобы художники учились лучше понимать природу и уметь фиксировать ее формы.

Натуралистический дизайн в сочетании с революционными инновационными технологиями сделали Эмиля Галле одним из лучших мастеров стекольного дела и деревообработки. Как правило, работы Эмиля Галле имеют стилизованный растительный орнамент. Чаще всего в этих рисунках появлялись мотивы трав, цветов, фруктов и насекомых. Источником вдохновения стал родной регион Лотарингия и северо-восточная Франция. Таким образом, особенностью художественного оформления произведений Галле становится то, что он обращается не только к цветам «высокого» стиля (розам, орхидеям), но чаще всего героями его работ становились полевые цветы, разнотравье, колосья пшеницы – то, что раньше редко становилось вдохновением для художников.

Зонтичный цветок омбеллы, гортензии, лилии, вьюн, листья чёрной смородины и клёна, ели, кусты, ветви и шишки - подобные мотивы стали излюбленными сюжетами и для учеников Галле – художников эпохи ар-нуво.

Краткая биография Мориса Дюфрена развернута в контексте метаморфозы стилей: от модерна до ар деко. Каждый стиль представлен на примерах работ мастера.