point +7(495) 639-94-92

Блог музея

Ар-деко: легендарные здания, которые впечатляют по сей день
Ар-деко: легендарные здания, которые впечатляют по сей день

 

В прошлом веке появилось множество архитектурных стилей, течений и направлений, которые актуальны и сегодня. Один из таких стилей, ар-деко, стал популярен после международной выставки в Париже в 1925 году, посвященной декоративному и промышленному искусству.

Для ар-деко в архитектуре характерно использование исторических отсылок, которые переделываются в новых структурных и пространственных условиях, сохраняя черты классических прототипов.

Однако в отличие от модернизма, создавшего целостную художественную систему, основанную на синтезе передовых структур, динамичных пространств и метода дизайна «изнанка наружу», ар-деко подчеркивает эффектные внешние особенности, которые могут преобладать над пластичностью формы. Это может включать намеренное несоответствие между изображением и функцией. Если для архитектуры модерна характерна плавная асимметрия с живописными изогнутыми линиями, вытекающая из ее конструктивной и органической сути, то стиль ар-деко обратился к линейной симметрии, кристаллическим объемам и монументальным ступенчатым композициям.

В начале 1900-х годов в Париже были построены два жилых комплекса Огюста Перре и Анри Соважа, ставшие премьерными произведениями архитектурного стиля ар-деко. Эти здания первыми использовали железобетон для строительства парижских резиденций. Их отличали простые линии, прямоугольные формы и минимальное количество декоративных элементов на фасаде. Это был явный отход от стиля модерн.

 Публикации для сетей

Жилой небоскреб Tour perret

 

Архитектура в стиле ар-деко отличалась четкими и часто богато декорированными геометрическими элементами конструкциями, что подчеркиваются блестящими металлическими вставками. Подавляющее большинство зданий, выполненных в стиле ар-деко, имеют удлиненную вертикальную форму всех элементов, поскольку они были построены таким образом, чтобы привлекать взгляды прохожих к себе за счет монументальности.

Позже такой дизайн чаще всего использовался в Соединенных Штатах для офисных помещений, государственных учреждений, театров и железнодорожных станций.

 

Ар-деко глазами Жака-Эмиля Рульмана
Ар-деко глазами Жака-Эмиля Рульмана

Жак-Эмиль Рульман - выдающийся дизайнер и архитектор, гений стиля ар-деко. Его вклад в развитие стиля и влияние на сферу архитектуры и дизайна трудно переоценить. Рульман являлся оппонентом иностранных веяний в прикладном искусстве и ратовал за сохранение традиционных французских подходов в выборе материала и сугубо ручное конструирование мебели. Рульман известен своими мебельными ансамблями и считается одним из первых интерьерных дизайнеров Франции.

Ар_деко_глазами_Жака_Эмиля_Рульмана. 2

Дизайнерские проекты Чарльза Ренни Макинтоша
Дизайнерские проекты Чарльза Ренни Макинтоша

Чарльз Ренни Макинтош – мастер, чьи творческие опыты трудно отнести к какому-либо из направлений, характерных для искусства начала XX века. Возможно, поэтому его, шотландца из Глазго, иногда называют «странным, но чертовски способным парнем». В работах этого талантливого мастера в равной степени прослеживается влияние таких стилей, как ар-нуво и ар-деко, а также движения «Искусство и ремёсла».

На рубеже столетий архитектурные и дизайнерские проекты Макинтоша были уникальны и необычны своей простотой и геометрической элегантностью. Он отказался от изобилия орнаментов и иных декоративных элементов, которые были характерными чертами «Искусств и ремёсел» и ар-нуво. В дизайне его изделий преобладают линейные, графически точные мотивы. «Индивидуальный дизайн создается индивидуальностью для индивидуальности» – незыблемый принцип, который он стремился реализовать в своих работах.

Сегодня визитная карточка талантливого шотландца – стулья с высокими спинками, однако дизайнерские изыски стиля «макинтош» прослеживаются и в других предметах, разработанных мастером.

Hill House Chairs Чарльз Ренни Макинтош Книжная полка, спроектированная Чарльзом Ренни Макинтошем

Венский Сецессион и новый стиль
Венский Сецессион и новый стиль

В 1897 группа молодых художников во главе с Густавом Климтом решила порвать с консерватизмом академического искусства и создать собственное творческое объединение «Венский сецессион», которое дало название австрийскому варианту стиля ар-нуво. Это название перекликалось с secessio plebis – демонстративным уходом плебеев, боровшихся против власти правящих патрициев, на Авентинский холм. Для художников Венского сецессиона создание своего объединения тоже было своего рода заявлением о желании порвать с отцами, оставить позади традиционные условности и сделать искусство подходящим для современного мира.

Павильон «Дом сецессиона», построенный Йозефом Марией Ольбрихом – важнейшее здание для австрийского ар-нуво. Архитектор говорил, что хотел «возвести храм искусства». Он представлял себе, что стены должны быть «белые и сияющие, выражающие чистое достоинство». Простая конструкция здания повторяет геометрические пропорции и осевую направленность древних храмов. Эта параллель была необычной для того времени, поскольку музеи и выставочные залы чаще всего выглядели, как величественные дворцы. Здесь же очевидны отсылки не к роскоши барокко, а к классике — они прослеживаются и в ясности организации фасада, и в головах горгон, охраняющих вход, и в куполе.

По задумке архитектора интерьер здания должен быть открытым и свободным, поэтому Ольбрих впервые применил подвижные перегородки. Внутреннее пространство павильона динамично и непостоянно, как и современная жизнь. Форма здания, состоящая из нескольких кубических объемов, очень лаконична, однако современники воспринимали ее как нечто экзотические и странное. Для этого здания было придумано несколько пренебрежительных прозвищ, например, “гибрид оранжереи и известковой печи”, “гробница”, а купол шутливо называли «позолоченной капустой». Однако искусство Венского сецессиона завоевало благодарную аудиторию среди богатых жителей Вены и даже получило официальную поддержку: дизайн австрийской валюты и марок был разработан в стиле ар-нуво.

В «Сецессионе» проходили выставки молодых художников, работавших в новом стиле. Наибольшую известность получила выставка 1902 года, посвященная Людвигу ван Бетховену. Именно для нее Густав Климт создал знаменитый «Бетховенский фриз», в котором он отражает свое понимание девятой симфонии Бетховена и те ощущения, которые возникали у него по мере прослушивания произведения. Помимо красок Климт использовал серебро и позолоту, осколки зеркал, гвозди и пуговицы. Фриз должен был отсылать зрителя к религиозной, алтарной живописи.

Венский Сецессион

 Дом сецессиона в Вене план

Здание Венского сецессиона, арх. Йозеф Ольбрих. Рисунок фасада, план. 

Из коллекции Музея Ар Деко
Из коллекции Музея Ар Деко

Наиболее значительная часть музейного собрания – коллекция декоративной скульптуры из бронзы и слоновой кости, насчитывающая 900 произведений. По воспоминаниям Мкртича Окрояна, когда он впервые увидел творения европейских скульпторов, он пришёл к выводу, что русское искусство сыграло значительную роль в формировании западной культуры первой половины XX века. С 1909 по 1929 год балетная труппа «Русские Сезоны» выступала в Европе под руководством Сергея Дягилева. Сила и самобытность русской культуры поразила европейцев: новые краски, движения, образы, иная логика и совершенно иные принципы создания художественных произведений буквально перевернули европейское сознание. Более того, «Русские Сезоны» изменили стиль жизни и поведения европейцев. Вскоре после премьеры балета «Шахерезада» у парижских дам вошло в моду одеваться a la Bakst – в лёгкие шаровары и цветистые тюрбаны. Новыми идеалами красоты выступили Тамара Карсавина, Ида Рубинштейн и другие русские танцовщицы и актрисы. Наиболее ярко эти мотивы воплотились в творчестве скульптора Дмитрия Чипаруса, произведения которого в России не представлены ни в одном из государственных музейных собраний.

Эмиль Галле. «Витрина с колосьями пшеницы»
Эмиль Галле. «Витрина с колосьями пшеницы»

Представляем вашему вниманию «Витрину с колосьями пшеницы» (ок. 1903) – уникальный экземпляр мебели стиля ар-нуво в исполнении французского художника-декоратора Эмиля Галле. Витрина выполнена из орехового дерева и бронзы в технике маркетри – мозаики из разных пород дерева, которые наклеиваются на основу.

Эмиль Галле — представитель школы Нанси — объединения мастеров декоративно-прикладного искусства. В его произведениях природные мотивы часто фигурируют на декоративных вставках, при обрамлении замочных скважин, дверных петель – еще с юности Галле увлекался рисованием и ботаникой, а в конце XIX-го столетия по его инициативе в школе Нанси был введен обязательный курс по ботанике, чтобы художники учились лучше понимать природу и уметь фиксировать ее формы.

Натуралистический дизайн в сочетании с революционными инновационными технологиями сделали Эмиля Галле одним из лучших мастеров стекольного дела и деревообработки. Как правило, работы Эмиля Галле имеют стилизованный растительный орнамент. Чаще всего в этих рисунках появлялись мотивы трав, цветов, фруктов и насекомых. Источником вдохновения стал родной регион Лотарингия и северо-восточная Франция. Таким образом, особенностью художественного оформления произведений Галле становится то, что он обращается не только к цветам «высокого» стиля (розам, орхидеям), но чаще всего героями его работ становились полевые цветы, разнотравье, колосья пшеницы – то, что раньше редко становилось вдохновением для художников.

Зонтичный цветок омбеллы, гортензии, лилии, вьюн, листья чёрной смородины и клёна, ели, кусты, ветви и шишки - подобные мотивы стали излюбленными сюжетами и для учеников Галле – художников эпохи ар-нуво.

Морис Дюфрен: от модерна к ар деко
Морис Дюфрен: от модерна к ар деко

Краткая биография Мориса Дюфрена развернута в контексте метаморфозы стилей: от модерна до ар деко. Каждый стиль представлен на примерах работ мастера.

Лампа колокольчик

Этот непревзойденный ЭРТЕ
Этот непревзойденный ЭРТЕ

В начале шестидесятых годов об Эрте помнили лишь немногие знатоки истории искусств. И тут произошло то, что можно было счесть чудом – уже в преклонных летах Эрте смог добиться возрождения своей карьеры. В конце шестидесятых – начале семидесятых голов прошлого века по всему миру началось возрождение интереса к искусству 20-30-х годов, и на этой волне популярность Эрте – практически единственного из прославленных художников того времени, кто не только был еще жив, но и сохранил творческую активность, - взлетела до небес.

мАТА хАРИ

Эрте. Мата Хари

Читать далее––>>

Изюменки ар деко. Шляпка-клош
Изюменки ар деко. Шляпка-клош

Шляпка-клош (фр. «cloche» – колокол) один из наиболее узнаваемых и популярных элементов женского гардероба в 1920-е гг. Вопросы, когда именно была придумана данная модель шляпки и кто её автор, до сих пор остаются дискуссионными, но в научной литературе принято считать, что создателем шляпок-клош была французская модистка Каролин Ребо, а хронологические рамки сосредоточились в период после Первой Мировой войны.

три шляпки клош

Клер Жан Робер Колине
Клер Жан Робер Колине

Клер Жан Робер Колине
 (1880—1950)

 

Клер Колине родилась в Брюсселе, училась скульптуре у Джефа Ламбо. Как и многие художники первой четверти XX века Клер Жанн Робер Колине переехала в Париж, где вступила в «Общество французских художников» и в 1913 году на парижском Салоне впервые представила свои работы широкой публике.

С 1937 до 1940 года выставлялась на «Салоне независимых» — художественном объединении, созданном в Париже в 1884 году. Одновременно Колине была членом «Союза женщин художниц и скульпторов». В основном сотрудничала с фирмами Эдмонда Этлинга, Артура Гольдшейдера и предприятием «Племянники Ж. Лемана».

Круг образов, воплощённых в скульптурах К. Колине, довольно широк и варьируется от балерин в классических постановочных позах до воинственных валькирий.

Вместе  с Дмитрием Чипарусом, Клер была основной представительницей так называемого театрализованного направления, принятого  в скульптуре ар  деко. К таким театрализованным скульптурам можно отнести изображения танцовщиц, античных жриц и богинь, представленных в экспрессивной динамике выразительных поз.

На формирование художественного языка  Клер Жан Робер Колине значительное влияние оказывали древние цивилизации. В первую очередь это был Египет. Так же активное воздействие оказывали культуры Индии и Персии. Персидское искусство вдохновляло скульпторов ар деко пряным колоритом своего фаянса и мозаик, необычными формами арабесок, яркими, пышными костюмами с обилием драпировок.

Рисунок1. Египетская танцовщица

Египетские и персидские одежды послужили вдохновением таким дизайнерам как Поль Пуаре и Мариано Фортуни.

Огромное влияние на сложение стилистики и иконографии скульптур ар деко оказали «Русские Сезоны» под руководством Дягилева. Поэтому мотив танца - один из наиболее распространенных мотивов в скульптуре этого периода. Индийские и египетские танцы перекочевали из дягилевской труппы на сцены многочисленных кабаре и мюзик-холлов, а затем в декоративную пластику ар деко.

Мотив танцующей фигуры с одним приподнятым коленом был излюбленным мотивом мастеров Ар Деко и использовался также в работах Дмитрия Чипаруса, Отто Перцеля и других мастеров.

В своих работах Клер Жан Робер Колине активно применяет хрисоэлефантинную технику. 

Скульптура, выполненная в хрисоэлефантинной технике, это скульптура из бронзы и слоновой кости.

Термин «хрисоэлефантин» появился в 5 веке до н.э. на территории Древней Греции. Он произошел от двух греческих слов  - "хризо" (золото) и "элефантос" (слоновая кость), и относился к статуям  античных мастеров, изготовленным из  золота и слоновой кости. 

Вытесненная на периферию художественных средств, хрисоэлефантинная скульптура пережила свое второе рождение на рубеже 19 - 20 веков. Стоит отметить, что смысл термина "хрисоэлефантин" претерпел изменения и применялся теперь к комбинациям слоновой кости с другими материалами - серебром, бронзой, цинком и деревом. 

Детали древнеегипетских одежд получили  распространение в сценических и повседневных костюмах не только под влиянием «Русских Сезонов», но во многом и благодаря открытию фресок и рельефов в захоронении фараона Тутанхамона в

1922 году Говардом Картером. Кутюрье эпохи ар деко Жан Пату создал свою реплику на это событие - несколько вариантов костюма, словно списанных с египетских      фресок, в которых

обязательным аксессуаром были набедренные повязки с треугольным, расширяющимся книзу фартуком. Несколько костюмов было создано и для Лайн Джек – эстрадной танцовщицы парижских кабаре.